J'aime mon Musée
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Photo MBAM, Denis Farley
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L’œil, David Altmejd
Cette œuvre est caractéristique du travail de David Altmejd, l’un des artistes québécois les plus en vue sur la scène internationale. Le sculpteur, dont les influences vont de Louise Bourgeois et David Lynch à Francisco de Goya, estime que l’art contemporain est accessible à tout le monde et peut être apprécié sans longues explications. On observe ici une figure ailée debout. Son torse est percé d’un grand trou d’où jaillissent des mains, et sa tête est formée de moulages des mains de l’artiste. Un bras a l’allure d’une prothèse. Mais quels secrets cache le mystérieux personnage?
Une partie de la réponse réside sans doute dans la symbolique puissante de l’œuvre. Par les mains qui semblent à la fois composer et façonner le corps, Altmejd a voulu évoquer l’humain en transformation, dont la forme lui échappe. En effet, il affectionne particulièrement le thème de la métamorphose, d’où sa fascination pour les êtres fantastiques. Le trou béant, lui, se veut un espace intérieur et infini qui représente la porte d’entrée vers l’art, la culture et la connaissance. Éminemment positif, il laisse passer la lumière, l’air et la vie. Enfin, pour ce qui est de la monumentalité de la sculpture, l’artiste révèle que le travail à grande échelle lui permet d’exister intensément et de faire contrepoids à sa timidité. Les ailes ont été ajoutées pour apporter une touche de légèreté à l’ensemble.
Par son contrapposto et ses multiples éléments contemporains, L’œil fait le pont entre diverses époques, de l’Antiquité à la Renaissance – on pense à la Victoire de Samothrace ou au David de Michel-Ange – jusqu’à aujourd’hui. Bienveillant et protecteur, il regarde le Musée et veille sur ses œuvres et ses visiteurs.
David Altmejd (Né à Montréal en 1974), L'œil, 2010-2011, bronze, fonte Atelier du Bronze, Inverness (Québec). MBAM, don de l'artiste et des employés du Musée des beaux-arts de Montréal dans le cadre de la Campagne 2008-2012
Joe Fafard est un artiste canadien originaire de la Saskatchewan. On le connaît surtout pour ses bronzes réalistes d’animaux : vaches, chevaux, loups et bisons sont représentés en taille réelle, voire plus grande que nature, et exposés la plupart du temps dans des lieux publics. Avec ses détails quasi authentiques, Claudia offre un bel exemple des figures animalières du sculpteur. Pourtant, même si sa forme, sa posture, ses proportions et son anatomie correspondent à celles d’une vraie vache, celle-ci a un je-ne-sais-quoi de plus… C’est que l’artiste, fidèle à son habitude, a insufflé de la vie à son modèle, l’a doté d’une personnalité. Avec son air digne, décidé et confiant, Claudia semble consciente du moment présent. Son intériorité apparente est tout à fait caractéristique des animaux de Fafard – des présences presque vivantes.
Les artistes ont souvent recours à la distorsion et à d’autres techniques pour avancer leur quête esthétique ou mettre en valeur leurs sujets de prédilection, ou encore pour explorer diverses questions psychologiques, sociales ou politiques. La grande place de la sculpture animalière réaliste dans l’œuvre de Fafard en a conduit plus d’un à s’interroger sur les influences de l’artiste et sur la signification particulière qu’il accordait aux animaux. En réponse, il affirmait de cette pratique qu’elle était simplement pour lui « un bon moyen de gagner sa vie ». On ne saura peut-être jamais si les animaux avaient à ses yeux un sens plus profond. Mais l’élan créatif est une constante en art, une force qui trouve ses propres moyens de s’exprimer, sans qu’il soit toujours possible de la rattacher à une fin ou à une motivation précise. Il n’y a rien de mal, de temps en temps, à appeler une vache une vache.
Joe Fafard, Claudia, 2003, bronze, fonte Atelier Julienne, Pense (Saskatchewan). MBAM, achat, fonds de l'Association des bénévoles du Musée des beaux-arts de Montréal
Réalisés en 1981, ces bustes en bronze font partie d’une série de six œuvres dédiées à toutes les personnes persécutées pour leurs croyances religieuses ou leurs allégeances politiques. L’ensemble a été conçu dans une volonté de célébrer la résilience de l’être humain, sa capacité à surmonter les épreuves et à transcender la violence et l’injustice. Ici, les traits austères des personnages sont accentués par des traces d’outils que l’artiste a laissées volontairement sur la surface sculptée. Le regard est triste et pensif, mais les lèvres, minces et scellées, traduisent la force tranquille de la détermination et de la résistance.
Tout comme le sculpteur Alberto Giacometti, Frink délaisse la pierre et l’argile au début des années 1950 pour adopter une technique novatrice. Elle fabrique d’abord une armature avec des tiges métalliques, puis remplit le squelette de divers débris avant de l’enduire de plâtre frais, matériau économique et facile à manipuler. Une fois sèche, la forme brute est sculptée avec une hache, un ciseau ou une râpe. L’artiste peut ainsi s’exprimer rapidement et librement. Ses œuvres sont généralement coulées en bronze d’après le modèle original.
Élevée en Angleterre pendant la Deuxième Guerre mondiale, Elisabeth Frink est marquée par la brutalité du grand conflit et par l’instabilité des années subséquentes. Toute son œuvre est consacrée à une réflexion sur le thème de la condition humaine.
Elisabeth Frink, In memoriam I et In memoriam II, 1981, bronze, 1/6. MBAM, don à la mémoire de Barry Seymour Boyd, à l'occasion du 150e anniversaire du Musée des beaux-arts de Montréal
Capsules vidéos
Qijia, CHINE, PROVINCE DU GANSU, disque rituel («bi»), vers 2000 AEC. MBAM, achat, don de F. Cleveland Morgan. Photo MBAM, Christine Guest
Shuvinai Ashoona (née en 1961), Composition (Monstre mangeant le Monde), 2018, crayon de couleur, crayon feutre, 38,3 x 58,8 cm. MBAM, achat, legs Mary Eccles. Photo MBAM, Christine Guest
Andreas Feininger, Astrée triomphante (Guildfordia triumphans Philippi), avant 1972. MBAM, legs Wysse E. Feininger
Marie Spartali Stillman, Luisa Strozzi, 1884. MBAM, don de Henry B. Yates à la mémoire d’Edward Maxwell (1867-1923). Photo MBAM, Christine Guest
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Emily Carr, Pirogue de guerre indienne (Alert Bay), 1912, huile sur carton, 65 x 95,5 cm. Achat, don de A. Sidney Dawes.
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Exposition à l'affiche
« Combien de temps faut-il pour qu’une voix atteigne l’autre? »
Rebecca Belmore (née en 1960), « Ayum-ee-aawach Oomama-mowan »: Speaking to Their Mother, 1991, rassemblement, lac Johnson, parc national Banff, Banff (Alberta), 26 juillet 2008. Avec l’aimable concours de la Walter Phillips Gallery, Banff Centre for Arts and Creativity, achat grâce au soutien du prix de la dotation York-Wilson, administré par le Conseil des arts du Canada. Photo Sarah Ciurysek
